Mirko Locatelli: L'Eredità Silenziosa di un Cinema Necessario e Umano

Omaggio a Mirko Locatelli: un'analisi della sua visione di cinema, la regia in sottrazione e i capolavori "I corpi estranei" e "La memoria del mondo".

Mirko Locatelli 

[di Massimo Righetti]

Oggi il cinema italiano piange la scomparsa di un caro amico e di una voce autentica, Mirko Locatelli, un regista la cui sensibilità rara e la cui visione autoriale hanno lasciato un segno profondo e indelebile nel mio, nel nostro cuore prima ancora che nella storia del cinema. La sua dipartita crea un vuoto che va oltre il professionale - è la perdita di uno sguardo unico sul mondo, di una capacità straordinaria di trasformare il dolore in bellezza, la fragilità in forza.

Ricordarlo "cinematograficamente" significa celebrare non solo l'uomo resiliente che abbiamo conosciuto e amato, ma soprattutto l'artista visionario che seppe forgiare dalla propria esperienza più difficile una spinta creativa potente e originale, diventando un faro luminoso di cinema indipendente e riflessivo in un panorama spesso dominato dall'effimero.

Una Poetica Nata dal Coraggio di Guardare

La visione cinematografica di Mirko si è sempre distinta per una profonda coerenza tematica e una costante ricerca stilistica che nascevano dalla sua acuta - e talvolta dolorosa - osservazione dell'esistenza. Per lui, il cinema aveva la funzione primaria di raccontare storie vere, un impegno portato avanti con quella che definiva una ricerca sfrenata sul linguaggio e sui corpi, attraverso uno stile in continua evoluzione ma sempre ancorato al principio cardine della dignità.

La sua regia, che amava definire "per sottrazione", mirava a spogliare la narrazione di ogni orpello retorico per arrivare dritto al nucleo emotivo dei personaggi e delle situazioni, evitando con determinazione quasi feroce di cadere nel patetico. Era questo il suo modo di onorare il dolore: non spettacolarizzandolo, ma restituendogli quella dignità che la vita, a volte, sembra voler negare.

Questa scelta stilistica emergeva già in opere come Il primo giorno d'inverno (2008), lodato per il suo stile onesto e secco, e si affinava progressivamente, segnando quella che lui stesso chiamava la sua emancipazione dal tema diretto della disabilità per abbracciare un linguaggio cinematografico dove il come si racconta diventava centrale quanto il cosa.

I Corpi Estranei: Quando il Cinema Diventa Abbraccio

Un esempio emblematico di questa poetica rimane I corpi estranei (2013), presentato in concorso alla Festa del Cinema di Roma e forse il film che meglio rappresenta la maturità artistica di Mirko. Con un Filippo Timi in stato di grazia, il film affronta con estremo pudore - parola chiave del suo cinema - temi universali come la paternità messa a dura prova dalla malattia di un figlio, l'isolamento in una metropoli indifferente e l'incontro salvifico con l'altro, rappresentato dalla figura di Jaber, giovane immigrato che diventa ponte verso una nuova umanità.

Mirko si concentrava sulla fragilità del padre, descrivendo queste figure paterne come metà madre e metà padre - una definizione che rivelava la sua capacità unica di cogliere le sfumature più intime dell'animo umano. Forti ma spesso incapaci di comunicare pienamente il loro travaglio interiore, questi personaggi diventavano specchio di tutti noi.

La sua regia era caratterizzata da una macchina da presa che si faceva intima, vicina ai personaggi, che scrutava i loro silenzi e le loro tensioni emotive con la delicatezza di una carezza. Gli spazi - i corridoi e le sale d'attesa dell'ospedale - si trasformavano sotto il suo sguardo in veri e propri personaggi essi stessi, presenze indesiderate che amplificavano il senso di smarrimento. Questi non-luoghi, cifra stilistica ricorrente, diventavano specchio perfetto del disorientamento interiore, amplificando quel senso di attesa e sospensione che pervadeva non solo l'opera, ma la vita stessa dei suoi protagonisti.

Fu il film che ci fece conoscere. Ebbi l'onore di distribuirlo nelle sale cinematografiche, avendo subito amato quest'opera per la sua capacità straordinaria di raccontare il dolore con dignità, evitando facili sentimentalismi e creando invece una profonda empatia con lo spettatore - quella stessa empatia che Mirko sapeva creare nella vita di tutti i giorni.

La Memoria del Mondo: Oltre la nebbia, la persistenza dell'Arte

Anni dopo, con La memoria del mondo (2022), presentato al Torino Film Festival, Mirko compì un ulteriore, coraggioso passo nella sua esplorazione tematica e stilistica. Questa sua ultima opera di finzione è un viaggio fisico e spirituale ambientato nella suggestiva laguna friulana, dove i temi della memoria, dell'identità, del rapporto sacro tra arte e natura, della perdita e del tempo assumevano un ruolo centrale e quasi testamentario.

La Memoria del Mondo

La narrazione segue un artista e il suo biografo alla ricerca di una donna scomparsa - un pretesto poetico per indagare il potere della nostalgia come forza empatica e dell'arte come strumento per orientarsi nella nebbia della vita, come sottolineava lui stesso con quella sua capacità unica di trovare metafore illuminanti anche nell'oscurità.

Il film si distingue per una fotografia evocativa e per un ritmo volutamente lento, a tratti ermetico, che diventa cifra stilistica per riflettere lo stato di sospensione dei personaggi e la fluidità della memoria stessa. La contaminazione tra forme d'arte, con il film che ispira una vera installazione artistica, segna un ulteriore ampliamento della sua ricerca espressiva, dove l'attesa e il ricordo diventano elementi strutturali di una poetica ormai matura e personalissima.

L'Eredità di uno Sguardo Necessario

La poetica di Mirko è stata una costante, coraggiosa esplorazione delle zone d'ombra dell'esistenza: la disabilità e il corpo come contenitore di energia compressa, l'adolescenza con le sue tempeste interiori, l'esclusione, l'isolamento, quello che lui chiamava il bivio esistenziale - quei momenti in cui la vita ci chiede di scegliere chi vogliamo essere.

Il suo stile, influenzato dai maestri del realismo europeo,  ma sempre teso a tracciare le proprie rotte con orgogliosa indipendenza, ha privilegiato il piano-sequenza per far coincidere tempo filmico e reale, l'uso espressivo dello spazio e quella prossimità fisica ai personaggi che rendeva ogni suo film un atto di amore verso l'umanità ferita.

Fondamentale è stata la simbiosi creativa con la sceneggiatrice Giuditta Tarantelli, un sodalizio artistico e umano che ha plasmato il nucleo narrativo e tematico dei suoi film e che resta esempio luminoso di come la creatività possa nascere dall'incontro di due sensibilità affini.

Un Regista, Punto e Basta

Mirko rivendicava con forza il suo essere semplicemente un regista, desideroso che il suo lavoro fosse valutato per il suo valore intrinseco, al di là di ogni altra considerazione. E così è stato, con riconoscimenti importanti in festival prestigiosi come Venezia, Roma, Montreal, che hanno saputo riconoscere la qualità del suo cinema senza filtri pietosi o condiscendenti.

La sua eredità più preziosa risiede in questa capacità unica di trasformare la propria sfida personale più grande in ispirazione per tutti noi, offrendoci un cinema empatico, rigoroso e mai banale, che ci invita costantemente a riflettere su cosa significhi davvero essere umani. Un cinema la cui forza silenziosa continuerà a toccare corde profonde in chiunque abbia la fortuna di incontrarlo.

Ciao Mirko, e grazie per averci insegnato che la bellezza può nascere anche dalla ferita più profonda, che il cinema può essere medicina per l'anima, e che la vera forza sta nella capacità di trasformare il proprio dolore in dono per gli altri. 

Il tuo sguardo gentile e necessario continuerà a vivere in ogni fotogramma che hai lasciato, in ogni storia che hai scelto di raccontare con quella dignità che era la tua firma più autentica.

Un grande abbraccio a Giuditta, sua preziosa compagna di viaggio.